Ответ
 
Опции темы
Старый 31.10.2007, 20:57      #1
SuperSkat
Местный
 
Аватар для SuperSkat
 
Регистрация: 05.10.2006
Адрес: Петрозаводск
Возраст: 26
Сообщений: 1,352
Восклицание Музыка

Му́зыка (от греч. μουσική — искусство муз) — искусство интонации; музыкальное произведение. Художественная деятельность в музыке направлена на звуковой материал (звук музыкальный) — отдельные звуки или звуковые комплексы (гармонические последовательности, ритмические фигуры, мелодические интервалы, лады, тональности, сонорные эффекты и т. п.), организуемый в высотном, временно́м, тембровом, громкостном и др. отношениях с целью воплощения особой образной мысли, ассоциирующей состояния и процессы внешнего мира, внутренние переживания человека со слуховыми впечатлениями (художественный образ).
Становление музыкального искусства

В историческом контексте вообще развитие музыки неотделимо от деятельного развития чувственных способностей человека — ход слухового освоения человеком музыкального материала в изменяющихся культурных условиях составляет наиболее фундаментальный уровень истории музыки.

В рамках первобытного синкретического искусства, содержавшего также зачатки танца и поэзии, музыка была лишена многих качеств, ставших доминирующими позднее.

В раннестадиальном фольклоре различных народов музыкальный звук неустойчив по высоте, неотрывен от речевой артикуляции. Мелодия зачастую представляет собой совокупность глиссандирующих подъёмов и спадов (экмелика), объединяющих контрастные высотные зоны в ритмическом порядке, зависящем от ритмики словесного текста и танца. Однако этот первичный звуковысотный контраст уже наделён эмоциональной выразительностью благодаря изначальной связи музыкального интонирования с психо-физиологическими состояниями людей, со словом, пластическим движением; благодаря включённости музицирования в быт, в трудовые процессы, в ритуалы (народная музыка). Постоянство этих связей, формирующее первичные музыкальные жанры, приводит к стабилизации высот (и, как следствие, к их закреплению в определённом строе).

Тем самым, в общественном музыкальном сознании высота звука отделяется от тембра голоса и речевой артикуляции; появляется категория лада. Возникают звукоряды и основанные на них мелодии. Звуковысотность, зафиксированная в музыкальном строе, предполагает развитие слуховых навыков (музыкальный слух), особой музыкальной памяти, удерживающей положение звука в высотном диапазоне, относительно других звуков. Обретая точную высоту, интонация становится способной воплотить более широкий и дифференцированный образный смысл. Он, с одной стороны, выступает как сохранившийся в интонационных формулах след их прошлого значения, связанного с определённым контекстом музицирования, с первичным жанром; с другой стороны — продолжается процесс «вбирания» смысла в интонацию «извне», из образующихся новых связей музыки и слова, музицирования и его социокультурного контекста.

В профессиональном творчестве зрелых музыкальных культур сохраняется воздействие на интонацию танцевального движения, обрядовых ситуаций, других видов искусства. В то же время музыка в ряде жанровых направлений постепенно освобождается от непосредственной зависимости от слова, бытового или ритуального контекста. Интонационные элементы и законы их организации (гармония, (музыкальная форма))обретают логическую самостоятельность и собственную историческую жизнь, хотя тем не менее в символически-ассоциативной форме сохраняют многозначную связь со словом и социальным контекстом. Появляется автономный музыкальный язык, способный выразить одновременно и конкретность переживания, и обобщённость мысли.

Специфика музыки

Специфика музыки как особой эстетической ценности раскрывается в соотношении прикладных и художественных целей творчества. Формирование первичных жанров связано с выполнением музыкой прикладных задач (прикладная музыка), которые подразумевали использование канонизированных выразительных средств. Ценность музыки в этих условиях зависела от типичности её формы, от близости к нормативным образцам. Формирование автономного музыкального языка и особой сферы распространения музыки, не равнозначной ни быту, ни церемониалу, ни культу, привели к осознанию новой цели: оригинального воплощения индивидуальной авторской мысли (композиция). В этих условиях ценность музыки состоит в неповторимой структуре музыкального произведения и одновременно во внутренней смысловой оправданности избранных композитором средств. Снижение художественного, качества в автономной музыке может являться результатом либо стандартности авторского мышления (к примеру, салонная музыка), либо самодовлеющей ориентации на использование оригинальных эффектов, противоречащей внутренней цельности произведения.

Особый аспект специфики музыкального искусства — соотношение его временно́й природы (любое музыкальное явление существует как необратимая последовательность интонаций и интонационных комплексов) и художественно-смысловой целостности. Первичный тип целостности в музыке представлен импровизацией (импровизация)— процессом музицирования, не имеющим функционально различимых средств для обозначения начала и конца пьесы. Впечатление целостности в этом случае создаётся благодаря тому, что элементы, составляющие импровизацию, интонационно родственны друг другу, будучи вариантами исходной мелодической, ритмической, гармонической модели. Близка импровизации вариационная форма, в которой, однако, различаются функции начала и конца (тема и её вариации, иногда завершаемые возвращением темы). Наиболее сложный тип музыкальной целостности представлен завершёнными музыкальными формами, в которых функции начала, развития и завершения выражены специальными музыкальными средствами (например, экспозиция, разработка, реприза в сонатной форме. В этих формах звуковременной процесс членится на фазы, связанные друг с другом по типу причин и следствий. Восприятие таких форм предполагает активность слушательского внимания, способного сравнивать, сопоставлять, удерживать в памяти прошлое и настоящее, предвосхищать будущее развитие музыкальной мысли. В завершённых формах время звучания обретает специфическую пространственность: способность «застывать» в логике соотношения частей музыкального целого. Так возникает диалектика «формы-процесса» и «окристаллизованной формы». Завершённость музыкального произведения, в свою очередь, оборачивается процессуальностью в исполнительской интерпретации (интерпретация), которая оставляет в памяти слушателя завершённый образ произведения. Он снова развёртывается в процесс при знакомстве с другими исполнениями, трактовками, с различным осмыслением данного произведения в критике.

О музыкальном искусстве говорят как о «наиболее чувственном среди искусств». Поэзию или живопись, к примеру, невозможно воспринимать на уровне физиологических реакций, музыка может не только восприниматься, но и воспроизводиться без включения интеллекта, и горизонт такого слушания и музицирования достаточно широк (медитативная практика отключения рационального мышления посредством определённых напевов, танцы в дискотеке, пение больных с нарушениями речи и расстройством логического аппарата). Нейрофизиологическое воздействие музыки издавна использовалось в медицине.

В то же время, по традиции, идущей издревле, музыку признают наиболее обобщённым, абстрактным искусством — художественным эквивалентом философии и математики. Романтический мыслитель Новалис видел в музыкальных пропорциях формулу универсума.


Музыкальный инструмент
Музыкальный инструмент — обычно, предмет, с помощью которого музыканты исполняют или импровизируют музыку или любые, в том числе и немузыкальные неорганизованные звуки.

Ныне существующие обыкновенные музыкальные инструменты подразделяются на несколько групп: струнные щипковые, струнные смычковые, медные духовые, язычковые духовые, деревянные духовые, ударные. В отдельную группу можно выделить клавишные инструменты, хотя способы звукоизвлечения в них зачастую различны. Общепринятая научная классификация музыкальных инструментов — система Хорнбостеля — Закса.

Струнные щипковые

К струнным щипковым относятся балалайка, домра, уд, гусли и подобные им.

Струнные смычковые

Струнные смычковые представляют альт, виолончель, контрабас, виола да гамба.

Медные духовые инструменты

труба, корнет, тромбон, валторна, туба, геликон

Язычковые духовые инструменты


* Губная гармоника
* Аккордеон
* Баян
* Гармонь

Деревянные духовые инструменты

* Дудук
* Флейта
* Кларнет
* Гобой
* Фагот
* Контрфагот
* Курай
* и примкнувший к ним саксофон (при том, что сам он металлический, язычки в нём деревянные).

Ударные инструменты

Cамое многочисленное семейство музыкальных инструментов. Ударные подразделяются на 3 основных вида:

* С неопределенной высотой звучания, среди них:
o Инструменты с мембраной : барабаны, бубны, гавалы, гоша нагара, думбек и пр.
o Инструменты с самозвучащим корпусом : треугольники, тарелки и гонги, кастаньеты, различные бубенцы, шейкеры и мараки, деревянные коробочки, флексатон и т. д.
* С определенной высотой звучания, то есть настроенные на ноты. В том числе колокола, литавры, некоторые разновидности ковбеллов, вудблоков, гонгов и др.
* Клавишные ударные: ксилофон, вибрафон, маримба, колокольчики и другие подобные инструменты предназначенные для исполнения отдельных нот и различных мелодий.

Клавишные духовые инструменты

орга́н, фисгармония, (баян, аккордеон и гармонь; тем не менее, клавиатура последних трёх отличается друг от друга. Клавишным ударным инструментом является челеста, клавесин.

Клавишные струнные инструменты

Струнный клавишный инструмент — всем известное фортепиано, существующее в горизонтальной (рояль) и вертикальной (пианино) разновидностях.

Электромузыкальные инструменты

Развитие электроники в начале XX века повлекло за собой возникновение электромузыкальных инструментов; первый из них (терменвокс) был создан в 1917 году. Современные синтезаторы звука имитируют звучание всех известных музыкальных инструментов, а кроме того, и всевозможных шумов (например, пение птиц, раскаты грома, звук проходящего поезда и т. д.).

Чаще всего синтезаторы оснащены клавиатурой фортепианного типа.
__________________
wish you were here
SuperSkat вне форума Пол: Мужчина   Ответить с цитированием Вверх
Благодарности: 6
Ваня (01.05.2008), Exciter (31.10.2007), hecz (31.10.2007), Mixas (06.05.2008), Wolverine89 (15.11.2007), ZUDen` (01.11.2007)
Старый 01.05.2008, 00:09      #2
Ваня
Модератор
Пользователь Mozilla Firefox
 
Аватар для Ваня
 
Регистрация: 29.09.2007
Адрес: г. Петрозаводск
Сообщений: 3,553
Пользователь играет в Call Of Duty 2Пользователь играет в Call Of Duty 4
По умолчанию

Совершенно особое место в нашей жизни занимает музыка. Музыка как сочетание различных тонов, вызывающих слитное, согласованное звучание, как правило, приятное для слуха.
Музыка совершенно конкретно и убедительно может воздействовать на эмоциональное состояние человека. Посредством звуковых художественных образов музыка ярко отражает действительность и активно воздействует на психику человека и даже воспитывает его. Еще в Древней Греции лучших людей государства воспитывали “ в хорах и музыке”.
Идеи воспитания личности в музыке использовались еще во времена Платона. Стремясь воспитать в гражданах суровую простоту и мужество, он требовал установить над музыкой самый жесткий контроль/.
Во все времена государственное устройство и настроения эпохи , выражая свои чаяния, оставляли след в характерной музыке, так появились стили в музыке. Примером могут послужить многочисленные военные марши появившиеся в разных странах в периоды военных действий или завоеваний. Но не только государственное устройство влияло на музыку.
Исторически складываясь на основе народного творчества в соответствии с закономерностями эволюции тех или иных этнических групп, музыкальная культура разных народов приобрела специфические черты, которые не позволят нам спутать Шотландские мотивы с ритмами Африки. Сейчас с географическим разнообразием музыки можно ознакомиться на концертах классической музыки.
По прошествии многих веков человечество накопило богатейшую коллекцию музыкального наследия и возникла новая проблема : как не растерять все музыкальные достижения, созданные за такой большой промежуток времени. Симфонии, сонаты, джаз, блюз, rock music, электронная музыка, ведь все эти направления музыки имеют свою история и слушателя.

Музыкальные стили и направления:

Классическая музыка


Сюита - музыкальная композиция, чаще всего инструментальная; состоит из нескольких лаконичных и контрастирующих между собой пьес. Первоначально термин относился к циклу стилизованных танцев; позже стал обозначать также собрание фрагментов из оперы, балета или произведения другого масштабного жанра и даже собрание самостоятельных пьес, часто имеющих программную основу.
Предшественником сюиты можно считать распространенное в конце эпохи Ренессанса парное сочетание танцев – медленного, важного (например, павана) и более оживленного (например, гальярда). Позже такой цикл стал четырехчастным. Немецкий композитор Иоганн Якоб Фробергер (1616–1667) создал модель инструментальной танцевальной сюиты: аллеманда в умеренном темпе и двудольном размере – изысканная куранта – жига – размеренная сарабанда.
Сюита как жанр развивалась под влиянием оперы и балета. В ней появились новые танцы и песенные части в духе арии; возникли сюиты, состоящие из оркестровых фрагментов музыкально-театральных произведений.
Важным элементом сюиты стала французская увертюра – вступительная часть, состоящая из медленного торжественного начала и быстрого фугированного заключения. В некоторых случаях термин «увертюра» замещал термин «сюита» в заголовках произведений; другими синонимами стали термины «ордр» («порядок») у Ф.Куперена и «партита» у И.С.Баха.
В середине 1700-х годов сюита слилась с сонатой, и сам термин перестал употребляться, хотя структура сюиты продолжала жить в таких жанрах, как серенада, дивертисмент и другие. Обозначение «сюита» стало вновь появляться в конце 19 в., часто подразумевая, как и раньше, собрание инструментальных фрагментов из оперы (сюита из Кармен Ж.Бизе), из балета (сюита из Щелкунчика П.И.Чайковского), из музыки к драматической пьесе (сюита Пер Гюнт из музыки Э.Грига к драме Ибсена). Некоторые композиторы сочиняли самостоятельные программные сюиты – среди них, например, Шехеразада Н.А.Римского-Корсакова по восточным сказкам.

Соната - музыкальная композиция для одного или нескольких инструментов. В классическом понимании термин относится к произведению для фортепиано соло либо для струнного или духовного инструмента с фортепиано, состоящему из нескольких самостоятельных частей. План составной многочастной сонаты и ограничение в употреблении термина только сольными произведениями сформировались во второй половине 18 в.
Слово «соната» часто употребляется также в составе термина «сонатная форма»: в этом случае оно относится не к многочастному произведению, а к формальной структуре одной части сонаты. Сонатная форма встречается также в симфониях, концертах, трио, квартетах, квинтетах, даже в увертюрах и т.д.

Ранние сонаты. История сонаты начинается с примечания «da cantare e sonare» («для пения или игры»), которое в 16 в. часто помещалось на титульных листах изданий мадригалов. Постепенно термины «canzona da sonare» («песня для исполнения на инструментах») и «соната» заняли место на титулах сочинений, предназначенных специально для инструментов. Один из ранних и выдающихся образцов такого рода – Sonata piano e forte (1597) венецианского мастера Дж.Габриели – инструментальная пьеса, в которой впервые различие между «тихо» и «громко» выражено в фактуре произведения.
В течение эпохи барокко (17 – начало 18 вв.) название «соната» часто прилагалось к произведениям для двух, трех и более инструментов. Среди них особое значение приобрела трио-соната (sonata a tre). Трио-сонаты сочинялись для двух солирующих инструментов (например, двух скрипок) с аккомпанементом (преимущественно клавишных инструментов). Среди барочных трио-сонат выделяются два основных вида: церковная соната (sonata da chiesa) – инструментальная музыка для публичного исполнения; камерная, или светская соната (sonata da camera) – инструментальная музыка для домашнего музицирования. Сонаты первого типа сочинялись обычно в четырех развернутых полифонических частях (медленно – быстро – медленно – быстро). Сонаты второго типа содержали большее число коротких частей и напоминали танцевальные сюиты. Сонаты обоих типов иногда служили вступлениями к крупным вокально-инструментальным формам: например, название «соната» употребляется в значении «увертюра» еще в 1715, в кантате № 182 И.С.Баха. В течение 18 в., с расширением сферы светской музыки, соната превратилась в самостоятельный жанр камерной музыки, и различие между «церковной» и «домашней» сонатами исчезло.

Сольная соната, т.е. соната для одного инструмента, с аккомпанементом или без него, возникла в творчестве Б.Мартини ок. 1620. В конце концов именно этот исполнительский состав стал отождествляться с термином «соната». Решающее воздействие на развитие жанра оказало появление первых клавирных сонат в творчестве одного из предшественников И.С.Баха – И.Кунау (1660–1722). В клавирных сонатах мастеров следующих двух поколений, особенно в одночастных сонатах Д.Скарлатти (1685–1757) и сонатах К.Ф.Э.Баха (1714–1788), складывается классическая модель сонатной формы. Особого внимания заслуживают поразительные по глубине содержания сонаты И.С.Баха для скрипки соло и виолончели соло.

Классическая соната. Соната конца 18 в., состоящая из нескольких частей в контрастных темпах, впитала в себя разные формы инструментальной музыки эпохи барокко; особенно это касается инструментальной танцевальной сюиты, откуда классическая соната позаимствовала менуэт и рондо. Параллельное развитие камерных и оркестровых жанров оказало существенное влияние на их формальную структуру: так, классический квартет можно считать сонатой для четырех инструментов, классический концерт – сонатой для солирующего инструмента с оркестром. Слово «соната» теперь применялось ограниченно, а именно к музыке для завоевывавшего все большую популярность фортепиано и для других солирующих инструментов (с аккомпанементом или без него).
На вершине своего развития (рубеж 18 и 19 вв.) план составной (циклической) классической сонаты включал три, иногда четыре части: подвижную первую, медленную, менуэт (позже скерцо) и быстрый финал. Менуэт – иногда расположенный перед медленной частью, иногда после нее, а часто и вообще опускавшийся, – структурно был самым простым, поскольку основывался на модели танца. Медленная часть иногда сочинялась в форме темы с вариациями, а финал – в форме рондо. Во многих случаях, однако, эти части, как и первая, имели сонатную форму, и в конце концов черты сонатной формы все теснее переплетались с чертами других форм, особенно рондо (рондо-соната).
Трёх- или четырехчастная соната в сочинениях Гайдна и Моцарта до сих пор остается идеалом данной формы. Но термин «соната» продолжает прилагаться и к сочинения, отходящим от классического типа.
Соната в творчестве Бетховена достигает такой неумолимой логики развития и драматургической напряженности, которые не были превзойдены авторами последующих поколений. Особенно это относится к 32 фортепианным сонатам, среди которых наиболее популярны такие шедевры, как Патетическая, Вальдштейновская и Аппассионата. Бетховен открыл и столь всесторонне использовал многообразные возможности сонатной формы, что его творчество знаменует собой и кульминацию классической идеи сонаты, и начало ее распада. Несмотря на необычайную красоту гармонического и мелодического языка и обилие драматургически выразительных эпизодов, сонаты ближайшего последователя Бетховена – Ф.Шуберта (для солирующих инструментов и фортепианных дуэтов) исполняются не столь часто, как они того заслуживают.

Современная соната. До 1845 были созданы четыре фортепианные сонаты К.М.фон Вебером и по три фортепианные сонаты – Ф.Мендельсоном, Р.Шуманом и Ф.Шопеном; хотя упомянутые композиторы сознательно стремились к продолжению классических традиций, эти сочинения обозначили начало романтической эпохи, когда богатство и оригинальность гармонического и мелодического письма взяли верх над строгой экономией средств и логикой развития в классической сбалансированной форме. Превосходный образец чисто романтической сонаты являет собой фортепианная Соната си минор (1854) Ф.Листа, где все части обычного сонатного цикла объединены в сквозной одночастной композиции. С другой стороны, десять виртуозных сонат И.Брамса (1833–1897) для фортепиано, скрипки и фортепиано, виолончели и фортепиано, кларнета и фортепиано демонстрируют подлинно новаторское претворение классических принципов художником романтической эпохи.
В массе сонат, которые продолжали появляться в позднеромантический период (конец 19 в.), профессиональное, но логически не обоснованное, сугубо формальное владение «школьной» схемой классической сонаты сочетается с типично романтическим и часто национально окрашенным музыкальным содержанием. Важным свидетельством тяготения композиторов-романтиков ко все большему единству сонатного цикла – единству, которое у Бетховена достигалось стилистической и драматургической цельностью концепции, – стало прямое применение принципа монотематизма, проведения одной тематической идеи во всех частях, причем нередко в связи с литературной программой. Монотематизм характерен, например, для сонатных циклов С.Франка (1822–1890), в числе которых популярная соната для скрипки и фортепиано (1886) и симфония ре минор (1888).
И все же классическая концепция сонаты сохраняет свою значимость: почти все крупные композиторы 20 в. обращаются к ней в своих масштабных инструментальных сочинениях. Тенденция к компактности и сжатости (например, в сонатах Прокофьева) нередко приходит на смену романтическому многословию; на традиционные ладово-тональные соотношения оказывают влияние более ранние, доклассические ладовые (модальные) системы (например, в сочинениях П.Хиндемита). Но при этом новые явления не затрагивают основы классической сонаты, и она сохраняет свою актуальность.

Симфония - музыкальное сочинение для оркестра, обычно в трех или четырех частях, иногда с включением голосов.
Происхождение. В конце эпохи барокко ряд композиторов, например Джузеппе Торелли (1658–1709), создавали сочинения для струнного оркестра и basso continuo в трех частях, с последовательностью темпов «быстро – медленно – быстро». Хотя подобные сочинения обычно назывались «концертами», они ничем не отличались от сочинений под названием «симфония»; например, в финалах и концертов и симфоний использовались танцевальные темы. Различие касалось в основном структуры первой части цикла: в симфониях она была проще – это, как правило, бинарная двухчастная форма барочной увертюры, сонаты и сюиты (АА ВВ).
Само слово «симфония» с 10 в. означало гармоничное созвучие; к концу 16 в. такие авторы, как Дж.Габриели, прилагали это понятие к созвучию голосов и инструментов. Позднее в музыке таких композиторов, как Адриано Банкьери (1568–1634) и Саломоне Росси (ок. 1570 – ок. 1630), слово «симфония» стало означать совместное звучание инструментов без голосов. Итальянские композиторы 17 в. часто обозначали словом «симфония» (sinfonia) инструментальные вступления к опере, оратории или кантате, и термин по смыслу приблизился к понятиям «прелюдия» или «увертюра». Около 1680 в оперном творчестве А.Скарлатти установился тип симфонии как инструментальной композиции в трех разделах (или частях), построенной по принципу «быстро – медленно – быстро».

Классическая симфония. Слушателям 18 в. нравились оркестровые пьесы в нескольких частях с разными темпами, которые исполнялись как в домашних собраниях, так и в публичных концертах. Утратив функцию вступления, симфония развилась в самостоятельное оркестровое произведение, обычно в трех частях («быстро – медленно – быстро»).
Использовав черты барочной танцевальной сюиты, оперы и концерта, ряд композиторов и прежде всего Дж.Б.Саммартини, создали модель классической симфонии – трехчастного сочинения для струнного оркестра, где быстрые части обычно имели форму простого рондо или раннюю сонатную форму. Постепенно к струнным прибавились другие инструменты: гобои (или флейты), валторны, трубы и литавры.
Для слушателей 18 в. симфония определялась классическими нормами: гомофонная фактура, диатоническая гармония, мелодические контрасты, заданная последовательность динамических и тематических изменений. Центрами, где культивировалась классическая симфония, стали немецкий город Мангейм (здесь Ян Стамиц и другие авторы расширили симфонический цикл до четырех частей, введя в него два танца из барочной сюиты – менуэт и трио) и Вена, где Гайдн, Моцарт, Бетховен (а также их предшественники, среди которых выделяются Георг Монн и Георг Вагензейль подняли жанр симфонии на новый уровень.
Симфонии Й.Гайдна и В.А.Моцарта – блестящие образцы классического стиля. Части четко отделены друг от друга, каждая имеет самостоятельный тематический материал; единство цикла обеспечивается тональными сопоставлениями и продуманным чередованием темпов и характера тем. Струнные, деревянные духовые, медные духовые и литавры дают множество инструментальных комбинаций; лирическое начало, идущее от оперного вокального письма, проникает в темы медленных частей, разделов трио в третьих частях и в побочные темы других частей. Иные мотивы оперного происхождения (октавные скачки, повторения звуков, гаммообразные пассажи) становятся тематической основой быстрых частей. Симфонии Гайдна отличаются остроумием, изобретательностью тематического развития, оригинальностью фразировки, инструментовки, фактуры и тематизма; симфонии Моцарта отмечены богатством мелодики, пластичностью, изяществом гармонии и мастерским контрапунктом.

Романтическая симфония. С творчеством Бетховена симфония вступила в новый век. Свойственные его стилю резкие смены темпа, широта динамического диапазона, богатство образности, виртуозность и драматичность, иногда неожиданность появления и многозначность тем – все это расчистило путь композиторам романтической эпохи. Осознавая величие Бетховена, они стремились идти его путем, не теряя при этом собственной индивидуальности.
Композиторы-романтики, начиная с Ф.Шуберта, экспериментировали с сонатной и другими формами, часто сужая или расширяя их; симфонии романтиков полны лиризма, субъективной экспрессии и отличаются богатством тембрового и гармонического колорита. Современник Бетховена Шуберт обладал особым даром создания лирических тем и необычайно выразительных гармонических последовательностей. Когда логика и упорядоченность классицизма уступили место субъективизму и непредсказуемости, характерным для искусства романтизма, форма многих симфоний стала пространнее и фактура тяжелее.
Среди немецких симфонистов-романтиков – Ф.Мендельсон, Р.Шуман и И.Брамс. Мендельсону, с его классичностью в областях формы и пропорций, особенно удались Третья (Шотландская) и Четвертая (Итальянская) симфонии, отразившие впечатления автора от посещения этих стран. Симфонии Шумана, на которые оказали воздействие Бетховен и Мендельсон, тяготеют к цикличности и одновременно к рапсодичности, особенно Третья (Рейнская) и Четвертая. В своих четырех симфониях Брамс благоговейно сочетает баховский по стилю контрапункт, бетховенский метод развития, шубертовский лиризм и шумановское настроение. П.И.Чайковский избежал типичной для западных романтиков склонности к подробным программам для симфоний, а также использования вокальных средств в этом жанре. В симфониях Чайковского, одаренного оркестратора и мелодиста, запечатлена склонность автора к танцевальным ритмам. Симфонии другого талантливого мелодиста – А.Дворжака отличаются достаточно консервативным, воспринятым от Шуберта и Брамса, подходом к симфонической форме. Глубоко национальны по содержанию и монументальны по форме симфонии А.П.Бородина.

Последний раз редактировалось Ваня; 01.05.2008 в 00:20. Причина: Добавлено сообщение
Ваня вне форума Пол: Мужчина   Ответить с цитированием Вверх
Благодарности: 1
Mixas (06.05.2008)
Старый 01.05.2008, 00:30      #3
Ваня
Модератор
Пользователь Mozilla Firefox
 
Аватар для Ваня
 
Регистрация: 29.09.2007
Адрес: г. Петрозаводск
Сообщений: 3,553
Пользователь играет в Call Of Duty 2Пользователь играет в Call Of Duty 4
По умолчанию

Джаз

Джаз включает в себя не только оживленную композицую мелодий и ритмов, но также является символом импровизации и индивидуальности с очевидным импульсом пытливости, которое было сформировано и подчеркнуто несмотря, или благодаря, трудным временам в истории Америки. Хотя основные особенности были сохранены, джаз тем не менее подвергся многим изменениям в силу непостоянности вкусов, развития технологии и общепризнанного и безграничного творчества джаз музыкантов.
Корни джаза ведут в многонациональный город Новый Орлеан с 19 века. Колониальное прошлое этого города, сочетающее в себе разные культуры и понятия, воспитало всеобщее чувство толерантности и культурной утонченности, которое легло в основу джаза. Джаз в особенности подчеркивает регтайм (синкопированный танцевальный ритм), блюз и духовность. С помощью силы своей личности и энергичного ритма Чарльз Бадди Болден, основоположник раннего джаза, определил основные характеристики джаза, индивидуальный подход к каждой части музыки. Ранний джаз в Новом Орлеана описывался коллективной импровизацией – двумя или более членами группы.
Но завершающий переход раннего джаза от народного творчества в изобразительное искусство последовал с приходом на сцену трубача и вокалиста Льюиса Армстронга, который вырос в традиции превосходства духовых инструментов своих предшественников, как Оливер и Болден. Благодаря Армстронгу, их длинная сольная импровизация была широко признана. С тех пор его способность связывать серии фраз, образовывая единую и согласованную композицию с началом, центральной частью и концом, служит примером для каждого американского музыканта.
Последующее распространение джазовой культуры объясняется большой миграцией в северные города, вызванной значительной индустриализацией и печально известной расовой сегрегацией на юге. Первая Мировая Война, где с помощью музыкальных групп развлекали солдат и простых граждан, также способствовала распростронению джаза в Европе. Джаз смог найти постоянное место в домах, когда записи и позже радио стали широко распространены. Небывалый успех первой записи группы Ориджинал Диксиланд Джаз Банд в 1917 привел джаз на комерческий рынок и, таким образом, возвещая приход «Джаз Эйдж» в двадцатых годах.
С началом Эры Свинга в 1935 году многие ансамбли развились в большие группы, которые создавали разные и в то же время мощные звуки, заставляющие танцевать даже в больших залах без усилителей, которых все еще не было в наличии. Постоянно увеличивающееся число молодежи, жаждущей забыть о неблагоприятных временах Великой Депрессии, привели к расширению клубов и увеличению громкости, идущей с изысканной ритмичностью. Эти заразительные удары ритма быстро подняли пульс американской молодежи. Несмотря на то, что почти неугасаемая потребность рынка поощряла чрезмерный звук и многообразие стилей, джаз группы все еще умудрялись комбинировать коммерческий успех с артистичной цельностью.
Учитывая непостоянность вкусов в сочитании с застоявшейся экономикой, новыми и неблагоприятными налогами на развлечения и также с появлением нового усилительного оборудования, содержание больших групп стало практически невозможным. С другой стороны, это дало шанс маленьким группам играть с мощностью больших групп с наименьшими затратами. И так появился бибоп, революционное искусство маленьких групп, основателями которого являются саксофонист Чарли Паркер и трубач Диззи Джиллеспи. Для непосвященных эта музыка представляла устрашающий вызов: трифекта технической виртуозности, глубокое понятие гармоничности и беспрецедентная легкость ритма. Хотя бибоп не сумел достичь популярности джаза времен эры Свинга, как некоторые говорят, из-за духовной пустоты, все же раздражительность этого стиля привлекала свою аудиторию и закрепила идею джаза как изобразительного искусства, таким образом доказывая себя как еще один поворотный момент в истории джаза: джаз вошел в пятидесятые и шестидесятые года как воплощение множества стилей.
Граница между горячим и спокойным (cool) появилась в 1949 году, когда Майлс Дейвис и композитор Джил Эванс выпустили на свет Рождение Куула, серии экстравагантно оркестрированных аранжировок для нонета. В отличии от бибопа, этот стиль представляет тональное разнообразие и умеренность, содержательные выражения. Стиль стал известным как Куул или джаз западного побережья.
Возможно, самый резкий разрыв с традициями джаза пришел со свободным джазом и атональными экспериментами в конце пятидесятых и шестидесятых. Открытый альт саксофонистом и композитором Орнетте Колеман, свободный джаз представлял отступление от западного созвучия и ритма в поисках большей свободы самовыражения. Колеман буквально высвободил себя от западной музыкальной традиции для того, чтобы достичь более искреннего произведения звуков на основе человеческих эмоций.
Однако, в шестидесятые годы джаз испытал упадок популярности. Многие джаз музыканты остались безработными и изолированными, а популярные джаз клубы попросту закрылись. Несмотря на очевидный разрыв между джазом и общей публикой, некоторые музыканты такие, как Майлс Дейвис, попытались приспособить джаз к современным вкусам слушателей с помощью экспериментов на электронных инструментах и сочетаний с ритмами рока.
Тем не менее, джаз выдержал испытание времени, хотя с некоторыми потерями, и к семидесятым годам закрытые записывающие компании, радиостанции и ночные клубы начали заново открываться. Общее состояние джаза осталось в значительной степени неизменным со времен бибопа: форма искусства личностей без преобладания единого стиля.

Free jazz
В начале 60-х годов очередной виток развития джазовых стилей был обусловлен, в значительной мере, усилением расового самосознания негритянских музыкантов. У молодежи того времени этот процесс выражался в весьма радикальных формах, в том числе и в джазе, который всегда был отдушиной в культуре афроамериканцев. В музыке это вновь проявилось в желании отказаться от европейской составляющей, вернуться к корневым источникам джаза.
В новом джазе чернокожие музыканты обратились к нехристианским религиям, в первую очередь к буддизму, индуизму. С другой стороны, это время характерно возникновением волн протеста, социальной неустойчивости, независимой от цвета кожи (движение хиппи, анархизм, увлечение восточным мистицизмом).
Появившийся в это время "свободный джаз" (free jazz) совершил резкий поворот в сторону от всего основного пути развития джаза, от мэйнстрима. Сочетание полноты духовных и эстетических переживаний с принципиально новым подходом к организации музыкального материала полностью отгородило новый джаз от сферы популярного искусства. Это было резкое ускорение процесса, который был начат боперами.
Диксиленд и стилисты свинга создавали мелодические импровизации, музыканты бибопа, кула и хардбопа следовали за аккордовыми структурами в своих соло. Свободный джаз был радикальным отходом от предшествующих стилей, поскольку в этом стиле солист не обязан следовать в заданном направлении или строить форму в соответствие с известными канонами, он может идти в любом непредсказуемом русле. Первоначально главным стремлением лидеров свободного джаза была разрушительная направленность в отношении ритма, структуры, гармонии, мелодии.
Главным для них стали предельная выразительность, духовная обнаженность, экстатичность. Первые опыты музыкантов нового джаза Сесила Тейлора, Орнетта Коулмана (Ornette Coleman), Дона Черри, Джона Колтрейна, Арчи Шеппа, Альберта Айлера не порвали связь с нормами мэйнстрима. Первые фри-джазовые записи еще апеллируют к гармоническим закономерностям. Однако постепенно этот процесс доходит до крайней точки разрыва с традицией. Когда Орнетт Коулман в полной мере представил свободный джаз нью-йоркским зрителям (при том, что Сесил Тейлор был известен раньше и довольно хорошо), многие из музыкантов бибопа и знатоков джаза пришли к выводу, что эту музыку нельзя считать не только джазом, но и, собственно, музыкой.

"Funk"
Современный фанк относится к популярным направлениям джаза 70-х и 80-х, в которых аккомпаниаторы играют в стиле черного поп-соул и музыки фанка, в то время как обширные сольные импровизации имеют более творческий и джазовый характер. Вместо того, чтобы использовать многообразный накопленный набор джазовых идиом из арсенала современных джазовых саксофонистов (Чарли Паркер, Ли Кониц, Джон Колтрейн, Орнетт Коулман), большинство саксофонистов этого стиля используют собственный набор простых фраз, которые состоят из блюзовых выкриков и стонов. Они основываются на традиции, перенятой из саксофоновых соло в ритм-н-блюзовых вокальных записях, подобных Кингу Кертису (King Curtis) в записях с "Coasters", Джуниору Уолкеру (Junior Walker) с вокальными группами лейбла "Мотаун", Дэйвиду Сэнборну (David Sanborn) с "Blues Band" Пола Баттерфилда (Paul Butterfield).
Видная фигура в этом жанре - Гровер Вашингтон-младший (Grover Washington, Jr), который часто играл соло в стиле Хэнка Кроуфорда (Hank Crawford) с использованием фанкоподобного аккомпанемента. Так он выглядит в своих самых известных записях, хотя Вашингтон способен к музицированию и в других стилях джаза. Участники группы "The Jazz Crusaders" Фелдер Уилтон (Felder Wilton), Джо Сэмпл (Joe Sample) достигали широкой популярности, существенно сменив репертуар в течение 70-х годов и убрав слово "джаз" из названия ансамбля. Значительная часть музыки Майкла Бреккера (Michael Brecker), Тома Скотта (Tom Scott) и их учеников использует этот подход, хотя они с тем же успехом могут играть в стилях Джона Колтрейна или Джо Хендерсона (Joe Henderson). "Najee", Ричард Эллиотт (Richard Elliott) и их современники также работают в стиле "современного фанка". В период от 1971 до 1992 года, Майлс Дэйвис руководил ансамблями, исполняющими сложную разновидность этого стиля, хотя саксофонисты, входящие в его группы, находились под влиянием Джона Колтрейна, а его гитаристы демонстрировали современное джазовое мышление вместе с влиянием Джими Хендрикса (Jimy Hendrix). Многое из современного фанка может быть также классифицировано, как "crossover".

"Acid jazz"
Многие считают родоначальником этого направления поздние составы Майлса Дэйвиса. Термин "acid jazz" ("кислотный джаз") закрепился за одним из видов легкой джазовой музыки, преимущественно танцевального жанра, объединяемой тем, что частично она играется "живыми" музыкантами, а остальное берется либо в сэмплированном виде, либо в виде звуков, для получения которых используют пластинки, чаще всего старые, виниловые сорокапятки, которые выпускаются для дискотек.
Музыкальный результат может быть любым по стилистике, однако, с измененным саундом. Более предпочтительным для этих целей оказывается радикальный "панк-джаз", "соул", "фьюжн". Acid jazz имеет и более радикальное крыло авангардного плана - примером могут служить работы британского гитариста Дерека Бейли (Derek Bailey). От дискотечного варианта acid jazz отличается все же существенным вкладом "живой" игры музыкантов. По-видимому, у этого направления есть будущее, позволяющее ему развиваться.

"Crossover"
С постепенным снижением активности рок-музыки (с художественной точки зрения), начинавшейся с начала 70-х, с уменьшением потока идей из мира рока музыка фьюжн (соединение джазовой импровизации с ритмами рока) стала более прямолинейной. Одновременно многие начали понимать, что электрический джаз мог бы стать более коммерческим, продюсеры и некоторые музыканты начали искать такие комбинации стилей, чтобы увеличить продаваемость. Они действительно успешно создали вид джаза, более доступный для среднего слушателя. В течение последних двух десятилетий возникло много различных комбинаций, для которых промоутеры и публицисты любят использовать выражение "Современный Джаз", применяемое для описания "слияний" джаза с элементами поп-музыки, ритм-энд-блюза и "всемирной музыки". Однако слово "кроссовер" более точно обозначает суть дела.
Кроссовер и фьюжн достигли поставленной цели и увеличили аудиторию джаза, особенно благодаря тем, кто пресытился другими стилями. В некоторых случаях эта музыка заслуживает внимания, хотя в большинстве случаев содержание джаза в ней сводится к нулю. Для стиля, который, фактически, является поп-музыкой с незначительным вкраплением импровизации, что выводит музыку за пределы джаза, термин "инструментальный поп" подходит лучше других. Примеры стиля кроссовер занимают область от Эла Джарро (Al Jarreau) и записей вокала Джорджа Бенсона (George Benson) до Кенни Джи (Kenny G), "Spyro Gyra" и "Rippingtons". Во всем этом есть влияние джаза, но, тем не менее, эта музыка укладывается в область поп-искусства, которое представляют Джералд Олбрайт (Gerald Albright), Дэвид Бенуа (David Benoit), Майкл Бреккер, Рэнди Брекер (Randy Brecker), "The Crusaders", Джордж Дюк (George Duke), саксофонист Билл Эванс (Bill Evans), Дэйв Грузин (Dave Grusin), Куинси Джонс (Quincy Jones), Эрл Клюг (Earl Klugh), Хьюберт Лоус (Hubert Laws), Чак Манджоне (Chuck Mangione), Ли Ритенур (Lee Ritenour), Джо Сэмпл (Joe Sample), Том Скотт, Гровер Вашингтон-младший.

"Smooth"
"Smooth jazz" (приглаженный джаз) является продуктом стиля фьюжн, в котором подчеркнута смягченная, приглаженная сторона музыки. Вообще, "smooth jazz" полагается в большей степени на ритмы и мелодические линии вместо импровизации. В нем используются звуковые пласты синтезаторов, фанк-ритмы, фанк-бас, упругие линии гитары и трубы, альт- или сопрано-саксофона. Музыка не интеллектуальна, подобно хардбопу, но она и не слишком энергична, как фанки или соул-джаз.
Композиции "smooth jazz" выглядят упрощенно, поверхностно и отполировано, причем общее звучание имеет большее значение, чем индивидуальные части. Характерными представителями стиля "smooth" являются Джордж Бенсон, Кенни Джи, группа "Fourplay", Дэвид Сэнборн, "Spyro Gyra", группа "The Yellowjackets", Расс Фриман (Russ Freeman).

Блюз


Блюз - это также способ исполнения музыки. Для многих в этом суть искусства; певец или исполнитель, который не может или не выражает "блюзовое"ощущение - не "блюзмэн". Определенные свойства тембра, включающие "скрипучую" или "рычащую" голосовые техники, ассоциируются с этой манерой выражения, а ровные и смягченные тона, выливающиеся в печальные и скорбные звуки, считаются частью музыкального словаря блюза. Итак, если исполнение блюза можно иммитировать, то ощущение блюза, как утверждают его исполнители, нельзя.
Поскольку блюз создавался преимущественно неграмотными музыкантами, многие из которых едва знали нотную грамоту, термин "уличная музыка", может быть приложен прежде всего к ним. Исполнители придают определенное значение способности зарифмовать песню, импровизация же является существенной частью блюза, хотя и не в такой степени, как в джазе.
Чтобы облегчить импровизацию, независимо идет ли речь о стихах или инструментах, был создан ряд моделей, самая известная из которых - 12-тактный блюз. Оказалось, что в первом десятилетии 20 века она приняла четкую форму 3-строчной строфы, в которой повторяется первая строка. Теоретически, это давало возможность исполнителю импровизировать третью, рифмующуюся, строку, а выпевать повторение первой. Последовательность аккомпанирующих аккордов известна всем блюзовым исполнителям и играется почти автоматически.
Блюзовые песни принимают различные формы, некоторые из них выражают общие чувства и отношения. Выпеваемые и исполняемые с блюзовой экспрессией и интонацией, они не всегда подходят под стандартные блюзовые структуры и не поддаются импровизации. К таким формам могут быть отнесены блюзовые танцы, широко представленные во все периоды. Они могут иметь стандартную 16- или 32-тактную структуру, но также могут исполняться на 12-тактной основе, хотя наличие 3-строчных строф - необязательно. Такие блюзовые танцы создали базу для блюза-развлечения, чьи корни могли отыскаться в более ранних танцевальных шаблонах; на поздних стадиях развития блюза они сопровождались гитарным или фортепианным буги-вуги акккомпаниментом. Тем не менее стандартная форма настолько широко известна, что выражение "играть блюз" обычно подразумевает использование 12-тактной структуры.
История блюза насчитывает как минимум 80 лет и влияние его на современную рок-музыку настолько велико, что его всепроникающие использование проходит почти незаметно. Блюз оказал значительное влияние и на современную поп-музыку, не только среди американских черных, но и в международных масштабах. До середины 50-х годов 20 века и появления вдохновенного блюзом рок-н-ролла, блюз был по существу черным понятием, обладающим характерными чертами фолкмузыки.
Глубокие корни блюза уходят в жизненный опыт американских черных, поэтому его вечное присутствие в жизнях афро-американцев часто олицетворяется в песне. Что касается песенной формы, считается, что блюз выражает многое из комплекса социальных и эмоциональных переживаний, которые вытерпевало черное меньшинство. И, наконец, блюз символизирует борьбу черных людей за возвращение им их чувств гордости после унижений и страданий и 200 лет рабства.

Blues-rock
Когда дело касается блюз-рока, не стоит усложнять. Скажем честно, глядя фактам в глаза: три четверти этой музыки – просто очень громкий блюз, и больше ничего.
Многие неофиты блюз-рока полагают, что он родился и взрос на американской почве. Это, конечно, заблуждение. Да, сегодня в Штатах каждый третий музыкант, так сказать, по этой части, пластиночных фирм с блюз-роковым уклоном такое количество, что в глазах рябит. Тем не менее, изобретатели «громкого блюза» родились, а многие и до сих пор в скромности проживают в Англии.
Начало блюз-рока – это и есть начало так называемого «белого» блюза. Стало быть, пункт «А» в этом путешествии – 1962 год. В этом пункте во времени в Лондоне эксцентричный джазмен Алексис Корнер основал свою «Блюзовую Корпорацию», группу блюзовых энтузиастов с необязательным членством. В этой неустойчивой по составу субстанции выступали Джек Брюс и Джинджер Бейкер, Мик Джаггер, Пол Джонс и прочие будущие гранды ритм-энд-блюза. Другие будущие приходили их слушать.
Когда же прозвучали первые реальные звуки блюз-рока? Осваивая супер-громкость, музыканты со смешанным чувством восторга и страха открывали новые горизонты профессионализма, техники, подхода к исполнению. То был, так сказать, первый, эмбриональный этап генезиса блюз-рока. Возможно, первые смелые шаги в этом направлении сделал бас-гитарист группы «Ярдбёрдз», баловавшийся на концертах стремительными эскападами, на максимальной громкости, стремительно съезжая от бухающих низких нот к основанию грифа – к максимально высоким. Этакая воющая звуковая атака.
Настоящий блюз-рок мир услышал в 1967 году. Источниками этой новой агрессивной музыки, безусловно, в первую очередь стали группы Хендрикса и «Крим» - величайшие пауэр-трио в истории эстрады.
Исписаны тонны бумаги о громкости «Крим», доходившей во время концертов до такой степени, что музыканты фактически не слышали себя, поскольку стояли в окружении стен колонок, изрыгавших звук чудовищного уровня громкости. Здесь этот элемент был доведен до абсурда. Но более существенным открытием «Крим» было следующее: они играли не просто громкий блюз, они играли новую музыку, в основе которой лежали риффы, то есть ритмичные музыкальные фигуры, почерпнутые из словаря дельта-блюза. Ярчайший пример того – «Sunshine of Your Love».
В конце 60-х блюз-рок был одним из самых модных направлений. Его наводнили виртуозные инструменталисты, в первую очередь – гитаристы, профессиональные композиторы и даже текстовики. Виртуозность, помноженная на громкость и поддержанная новыми технологиями (звуковая концертная аппаратура постоянно совершенствовалась) дали новое качество музыки, основанной на блюзе. Исполнители типа Led Zeppelin, Ten Years After, Рори Гэллахер, Free, Humble Pie и Bad Company завершили эволюцию британского блюз-рока. С тех пор, то есть примерно с 73-го года, про блюз и блюз-рок британского разлива никто не всерьёз не говорит.
Америка, почувствовав свое отставание от моды, ответила на вызовы времени своими блюз-рокерами. Высшими точками развития там стали Джонни Винтер и группа братьев Оллманов.
Нужно признать честно, что теми давними достижениями блюз-рок в музыкальном отношении себя исчерпал. Жанр полностью оформился, пережил свои «15 минут славы» и, как это случалось десятки раз с подобными предшественниками в поп-музыке, перетек в разряд консервативных культовых увлечений относительно небольшой группы поклонников.
Сегодня блюз-рок уютно чувствует себя прежде всего в Америке, также к нему весьма благосклонно относятся в Германии, Голландии и в некоторых других странах.

Soul-blues
Соул-блюз - помесь музыки соул и традиционного блюза, как легко понять из названия.
Соул появился в 60-е годы и был, по сути, продолжением традиционной черной музыки, прежде всего, gospel. Он связан со своим предшественником - ритм-энд-блюзом 50-х - генетически. Поэтому в шоу-бизнесе, в американской музыкальной журналистике, в коммерческой терминологии, да и просто на стендах в магазинах соул и блюз музыка стоят рядом или вместе. Целый ряд музыкальных изданий США вообще их не разделяет, представляя как единую музыку - ритм-энд-блюз - в единых списках популярности.
В середине 90-х годов в среде тогда только зарождающейся блюзовой публики в России возникло нечто вроде смятения, вызванного тем, что соул-певец с почти 40-летним стажем Джонни Тейлор стал человеком «Номер 1» в списке популярности одного из самых уважаемых изданий по блюзу «Блюз Ревю». Стоило изрядного труда объяснить слушателям, что Джонни для них, для американцев, одного поля ягода с Мадди Вотерсом, Би Би Кингом и Робертом Крэем. Такова уж реальность шоу-бизнеса: соул-блюз - полноправный участник соревнования за популярность, и в Штатах он идет довольно далеко впереди чистого блюза.
Ваня вне форума Пол: Мужчина   Ответить с цитированием Вверх
Благодарности: 2
Mixas (06.05.2008), MYXA (01.05.2008)
Старый 01.05.2008, 00:35      #4
Ваня
Модератор
Пользователь Mozilla Firefox
 
Аватар для Ваня
 
Регистрация: 29.09.2007
Адрес: г. Петрозаводск
Сообщений: 3,553
Пользователь играет в Call Of Duty 2Пользователь играет в Call Of Duty 4
По умолчанию

Рок музыка


Рок музыка - основная разновидность популярной музыки, возникшая около 1954; для нее характерны использование электромузыкальных инструментов (например, электрогитар) и упор на четко выраженный ритм и громкость звучания.
В короткой истории рок-музыки четко прослеживаются два этапа: период рок-н-ролла (1954–1962) и период рока (с 1962 по настоящий момент). Рок-н-ролл (выражение встречается во многих сельских блюзах и, вероятно, имеет сексуальный подтекст, как в строчке «Качай меня, крути меня всю ночь») обрел популярность в середине 1950-х годов.
В основе рок-н-ролла три взаимосвязанных источника.
Во-первых, музыка ритм-энд-блюзовых ансамблей юго-западных штатов США – аналог более мягких и изысканных свинговых джаз-бандов восточных штатов. Название ритм-энд-блюз буквально описывает тот тип музыки, которую исполняли эти группы: основа мелодий – 12-тактовые формы сельского блюза, базирующиеся на тонических, субдоминантных и доминантных аккордах; ритмы резко синкопированы и сильно акцентированы, наиболее типичен фоновый бит – акцент на второй и четвертой доле размера 4/4.
Вокалистам таких групп, чтобы перекрывать громкое звучание ансамбля, приходилось кричать; впоследствии такой стиль «выкрикиваемого» блюза стал общепринятой манерой рок-н-ролльных певцов.
Во-вторых, важную роль в становлении рок-н-ролла сыграла церковная музыка негритянских вокальных групп, которые заимствовали певческую манеру и гармонии из традиции т.н. черного госпела (религиозного гимна). Основная черта стиля госпел – формула «вопрос – ответ»: солист (а в церкви – проповедник) произносит стих, и хор ему отвечает. «Вопрос – ответ» является основным элементом не только стиля госпел, но и африканской народной музыки.
В-третьих, музыка Элвиса Пресли, который вместе с другими исполнителями, вроде Бадди Холли, Карла Перкинса и братьев Эверли, стихийно соединял элементы музыкальных стилей белого кантри-энд-вестерн, негритянского сельского блюза и ритм-энд-блюза. Гончий пес (Hound Dog), Не будь жестокой (Don't Be Cruel), Отель, где разбиваются сердца (Heartbreak Hotel) и ряд других ранних вещей Пресли являются блюзами или основаны на блюзовых структурах, а в его вокальном стиле сочетались типичная в музыке кантри «гнусавость» с напористостью и чувственностью, характерными для негритянской музыки.

Rock-n-roll
Рок-н-ролл (англ. Rock’n’roll от Rock and roll) — стиль популярной музыки, родившийся в 1950-х годах в США и явившийся ранней стадией развития рок-музыки. Также танец, исполняемый под музыку рок-н-ролла и музыкальная композиция в стиле рок-н-ролла. В англоязычных странах термин «рок-н-ролл» нередко применяют при общем обозначении рок-музыки, под который, таким образом, попадают и гранж, и рокабилли и т.п. В данной статье будет рассматриваться именно первое определение.
Для рок-н-ролла характерен быстрый темп (4/4), обильное использование молодёжного сленга (нередко негритянского), раскованность музыкального исполнения. Традиционными музыкальными инструментами являются электрогитара, бас, ударные и пианино.
Американский рок-н-ролл проник в СССР ещё в середине 1950-х гг., хотя его советские слушатели составляли весьма узкую группу людей. Первые, весьма малочисленные, рок-н-ролльные исполнители в СССР, игравшие, как правило, англоязычные хиты, появились в начале 1960-х гг. в Прибалтике, Москве и Ленинграде. Их музыка была достаточно любительского характера, и в скором времени в их репертуаре собственно рок-н-ролл был смещён «британским вторжением» (песни The Beatles, The Rolling Stones и т.п.). На официальном уровне рок-н-ролл игнорировался, хотя нередко был предметом антизападной пропаганды. Парадоксальным образом, твист оказался вполне приемлемым и популярным жанром.
На русском языке рок-н-ролл, в его традиционном понимании (если не считать твисты М. Магомаева, Т. Миансаровой и др.), стали играть в начале 1980-х гг. (одновременно с очередным западным возрождением стиля). Самыми известными группами этого направления в то время были Зоопарк, Секрет, Браво, и позднее многочисленные клубные коллективы, играющие рокабилли (Мистер-Твистер).

Heavy-metal
Метал — музыкальное направление, выросшее из рок-музыки в конце 1960-х — начале 1970-х гг. Для метала характерны агрессивные ритмы и сильно искажённый гитарный звук, достигаемый за счет использования особого гитарного эффекта под названием дисторшн (англ. distortion — «искривление», «искажение»), обязательно присутствие гитарного риффа.
Метал имеет достаточно большое число подстилей, от сравнительно «мягких» (таких, как, например, классический хеви-метал) до весьма «тяжёлых» и неприемлемых для большинства неподготовленных слушателей (дэт-метал, блэк-метал и т. п.). Смысл и идейная направленность песен сильно разнится от направления к направлению; так, для дэт-метала типичны темы жизни и смерти, для дум-метала — темы печали, меланхолии и отчаяния, для блэк-метала — оккультные темы, пауэр-метал отличается жизнеутверждающей тематикой лирики и т. д.
Поклонников метала называют металистами или металхэдами (англ. metalhead).Относительно происхождения названия существует несколько версий и несколько источников. Писатель Уильям Берроуз использовал слова Heavy metal в своих произведениях, описывая инопланетян.
Слова «Heavy metal thunder» есть в песне группы Steppenwolf — «Born to Be Wild», выпущенной в 1968 году. Эвфемизм «heavy metal» среди артиллеристов означал громкую канонаду, и повидимому изначально использовался по отношению к хард-рок музыке как эпитет за громкость и ритмичность.
Известно, что «Heavy metal» как музыкальный термин был впервые применен к альбому Kingdom Come критиком Майком Сандерсом и популяризован критиком Лестером Бэнгсом в его статьях о Led Zeppelin и Black Sabbath. Поначалу критики не делали никаких различий между «хард-роком» и «хэви-металом», которые сейчас считаются разными жанрами.
В английском языке нет различия между «металом» как общим направлением и его изначальным, классическим видом «хэви-метал». Однако в других языках, в том числе в русском, понятия считаются отдельными.
Существуют разные мнения относительно того, как должен называться этот стиль на русском языке. В Рунете наиболее распространено написание «мета?лл», что является переводом на русский английского слова metal. Однако музыкальные направления, зародившиеся на Западе, в России традиционно получают названия, являющиеся транскрипциями с английского (например: джаз, блюз, панк, рок-н-ролл). С этой точки зрения правильным русским названием данного направления должно было бы являться «ме?тал». Тем не менее, среди составителей словарей современного русского языка нет единодушия по этому вопросу. В названиях подстилей чаще всего используется второй вариант (спид-метал, пауэр-метал и т. д.)

Punk-rock
Впервые выражение это (буквально — шпанистый рок) прозвучало в середине 60-х годов, когда США захлестнула волна любительских рок-групп (еще их называли «гаражные группы», поскольку гаражи обычно служили местом репетиции).
Группы были сыры, корявы, но весьма энергичны и в отдельных случаях («Лифт на 13 этаж», «Семена», «Блюз Магуз») весьма оригинальны. Панк-рок 60-х годов, зафиксированный, в основном, на провинциальных «индиз», не оставил большого следа ни в умах, ни в хит-парадах, ибо был накрыт приливной волной контркультуры. В «подпольном» роке носителями неотесанных панк-традиций принято считать «МС 5», «Игги и Пугала», «Велвет Андерграунд».
Второе пришествие панка случилось в середине 70-х. В Нью-Йорке «Реймонз», «Телевижн», «Токинг Хэдс» сформировали новое молодежное подполье, противостоящее «обуржуазившемуся» року. Чуть позже аналогичная сцена возникла в Лондоне («Секс Пистолз», «Дэмнд», «Клэш»). И именно в Британии, в атмосфере национального скандала, подогреваемого рекламой, панк-рок вышел из подвалов и стал всеобщим достоянием. Этот шок (1977) ознаменовал рождение «новой волны» и открыл дорогу новому поколению рок-музыкантов. По иронии судьбы, пионеры течения, панк-рокеры, были тут же отодвинуты на задний план.
Объясняется это тем, что панк-рок, при всех его противоречиях, бесспорно является музыкой абсолютно некоммерческой. Практически вся продукция панк-рока и «хардкоур» (буквально «крутой» — так эту музыку называют в США) выходит на «независимых» фирмах. Крупные компании, едва спал скандальный ажиотаж, оценили полную развлекательную непригодность панк-музыки: она слишком проста, слишком быстра и слишком «невкусно» звучит, чтобы ее слушать или под нее танцевать.
Действительно, «настоящие» панк-группы меньше всего заботятся о чистоте звучания, оригинальности и очень похожи друг на друга. Классическим можно признать заявление гитариста из «Рэймонз»: «Да, мы знаем всего три аккорда, но это именно те аккорды, что надо». Содержание песен панк-рока всегда «обличительное». При этом существующий порядок вещей может критиковаться как с левых, так и — значительно реже — с правых позиций (течение «Ои», близкое к «Национальному фронту»).
В целом, если для раннего панка был характерен тотальный нигилизм (в духе «наплевательских гимнов» «Секс Пистолз»), то теперь это течение приобрело едва ли не самую отчетливую в молодежной музыке (если не считать политической песни, конечно) социально-критическую окраску, что выражается и в практических действиях («Рок против расизма» и серии концертов в фонд бастующих шахтеров Великобритании). Любопытно и то, что панк-рок-хардкоур, уже давно сойдя с авансцены, не проявляет пока признаков исчезновения. Эта экстремистская музыка нашла соответствующую ей благодарную аудиторию и имеет негромкий, но стабильный успех (о чем свидетельствуют высокие места в хит-парадах «независимых»).
Первые в нашей стране панк-группы «Пропеллер» и «АУ» появились в самом начале восьмидесятых. Однако по-настоящему эта музыка «пошла» лишь в конце десятилетия. О пафосе лучше всего говорят названия ведущих групп: «Бомж», «Гражданская оборона», «Народное ополчение».

Elecktro-rock
Электронные и пленочные эффекты были впервые широко использованы в рок-музыке в 1966 году богатыми «Битлз» и «Бич Бойз» в студии и «психоделическими» «Пинк Флойд» и Фрэнком Заппой на сцене.
Реальный электронный рок сформировался позднее, в начале 70-х годов, когда достаточно доступным и дешевым стал синтезатор.
Развитие течения пошло по двум руслам:
Во-первых, так называемый «космик-рок» (или «спейс-рок») — попытка создать некую пространственную «музыку сфер», зачастую лишенную ритма, картинную, наполненную эхо-эффектами и призванную создать ощущение, что слушатель висит в пустоте, среди летающих мимолетных мелодий и величественных аккордов «Тэнджерин Дрим», «Бивер и Краузе», Клауса Шульце.
Второе направление ближе к американской школе, минимализму (Ф. Гласе, С. Рейч, Л. Янг, Т. Райли) и конкретной музыке. Электроника здесь создает ритмические структуры и используется для создания диссонасной — иногда комичной, иногда устрашающей — приправы к человеческим голосам и звукам инструментов. Эта школа (группы «Крафтверк» и «Резиденте», Брайен Ино) оказала сильнейшее влияние на музыку «новой волны».
«Космический рок» (ряды его исполнителей позднее пополнились такими популярными композиторами, как Ж. М. Жарр и Вангелис Папатанассиу) нашел свое идеальное применение в киномузыке.

Электронная музыка


Первичная концепция Elektronische Musik состояла в создании звуков используя только электрические средства, совершенно исключая исполнителя. Создатели Elektronische Musik не хотели иметь ничего общего с электронной музыкой, и играли только на тех инструментах, на которых играют обычным способом, и которые по средствам электронной музыки имитируют традиционные звуки.
Для работы в этом направлении создали исследовательскаую лабораторию - Кёльнскую студию электронной музыки ( Kolner Funkhaus Studio fur elektronische Musik ).
В дальнейшем (к середине 60) происходит полное стирание границ между жанрами электронной музыки, происходит образование конгломерата под названием «электроакустическая музыка».
В настоящее время, термин «электронная музыка» указывает на технологию и, вообще говоря, не устанавливает никаких эстетических, стилистических или жанровых рамок и ограничений. Электронная музыка включает в себя всю музыку, создаваемую чисто электронными средствами, будь то компьютер, синтезатор или любое другое специальное электронное оборудование.

House
Хаус (англ. House) — жанр электронной музыки, зародившийся в начале 1980-х годов в Чикаго. Своё название хаус получил от чикагского клуба Warehouse, где диджей Фрэнки Наклз смешивал классическое диско с европейским синти-попом, добавляя к этому свои собственные ритмы при помощи драм-машины Roland 909z
House является универсальной музыкой практически для любого клуба, любого танцпола, любой атмосферы. За почти тридцать лет своего существования данный стиль настолько оброс ответвлениями и породил из себя самомтоятельных стилей, что сейчас, наверное, уже можно говорить о нём как о начале всей электронной музыки. Или, по крайней мере, о первом стиле, вышедшем из андеграунда и открывшем путь к славе многим современным авторам и продюсерам.
Время и место рождения: 80-е года в Нью-Йорке. Для того времени это был новый и необычный стиль музыки. Как и всё новое, House стал очень модным в андеграунд кругах и через 8-10 лет обрёл повсеместную популярность. Название стиля происходит от клуба, в котором впервые диск жокеи стали сводить House. Клуб назывался 'Warehouse'.
Основу House, как правило, составляют яркие и красивые пассажи, мажорные аккорды и простые, но запоминающиеся мелодии. Корни стиля идут от такой музыки, как Disco и Soul. Начиная с 90-х годов House начал делиться на различные подстили. Все направления House распознаются по диско-ритму 4х4 при 110-120 ударах в минуту (ВРМ), выразительным клавишным партиям и иногда - вокалу. Введение к перечисленным нового инструмента означает переход к другой разновидности House. Помимо разнообразных подстилей House музыка различается и по географической принадлежности - Английское звучание более электронное и многослойное. Американцы, в свою очередь, создают более упрощенную музыку.

Techno
Техно (англ. Techno) — это жанр электронной музыки, зародившийся в середине 1980-ых годов в Детройте и его окрестностях и впоследствии подхваченный европейскими продюсерами. Он характеризуется искусственностью звука, акцентом на механических ритмах, многократным повторением структурных элементов музыкального произведения.
«Техно — это музыка, звучащая, как технология», — говорит Хуан Аткинс (англ. Juan Atkins), один из основателей жанра.
Корни techno лежат в электронной house-музыке, производившейся в Детройте в середине 80-х. В то время, как house-музыка, даже будучи полностью механической, все равно имела прямую связь с музыкой диско, стиль techno был сугубо электронной музыкой, рассчитанной на малую, специфическую аудиторию.
Первые продюсеры и ди-джеи techno - Kevin Saunderson, Juan Atkins, Derrick May и другие - делали упор на электронные, синтезаторные ритмы исполнителей электро-фанка, таких как Afrika Bambaataa, и synth-рока, таких как Kraftwerk. В США techno был полностью явлением андеграунд-культуры, но в Великобритании в конце 80-х приобрел массовую популярность.
С наступлением 90-х techno стал распадаться на ряд под-стилей, таких как hardcore, ambient, jungle. В hardcore темп убыстрялся до такого уровня, что под него было невозможно танцевать. Создатели ambient пошли противоположным путем, замедляя общий темп и используя расплывчатое электронное звучание.
Эта музыка использовалась в качестве успокоительной, когда рэйверы и другие завсегдатаи клубов хотели отдохнуть от acid house и hardcore techno. Jungle, как и hardcore techno был весьма напористым, сочетая навязчивые ритмы techno с брейкбитом и элементами dancehall reggae.
Все эти под-стили techno поначалу предназначались для проигрывания в клубах ди-джеями. В соответствии с этим, большая часть этой музыки выходила в виде синглов 12" или на сборниках различных исполнителей, имевших достаточно места для продолжительных по времени композиций и дававших ди-джеям много материала для микширования в своем сете. Но к середине 90-х новое поколение techno-исполнителей - таких ambient-групп, как the Orb и Aphex Twin, и более агрессивных the Prodigy и Goldie - стали производить альбомы, на которых уже не было просто сырых ритмов, предназначенных для микширования ди-джеями. Не удивительно поэтому, что эти исполнители, особенно the Prodigy, и стали первыми признанными звездами techno.

Trance
В этом стиле, сформировавшемся на основе немецкого techno и hardcore начала 90-х, упор делался на короткие синтезаторные партии, бесконечно повторявшиеся на всем протяжении композиций, что действительно повергало слушателя в состояние транса, близкого к религиозному. Несмотря на некоторый упадок интереса к trance в середине 90-х, он вновь заметно возродился позднее, и к концу десятилетия стал самым популярным стилем танцевальной музыки в мире, потеснив house.
Многое заимствовав от acid house и детройтского techno, trance также ассоциируется с такими новыми лейблами, как R&S Records в Генте, Бельгия и Harthouse/Eye Q Records во Франкфурте, Германия. R&S формировало звучание trance на начальном периоде с такими синглами, как "Energy Flash" Joey Beltram, "The Ravesignal" CJ Bolland, и работами других исполнителей, таких как Robert Leiner, Sun Electric, Aphex Twin. Лейбл Harthouse, основанный в 1992, повлиял на звучание trance в первую очередь синглами "Hardtrance Acperience" Hardfloor и "L'Esperanza," а также работами исполнителей Arpeggiators, Spicelab, и Barbarella, записывавшихся на нем.
Несмотря на продолжительный период, когда казалось, что trance сошел на нет и его заменила брейкбитовая музыка (trip-hop, jungle), в конце 90-х в Великобритании произошло возрождение trance. Классический немецкий саунд при этом немного изменился, и в употребление вошел термин progressive trance, подразумевавший влияния house и eurodance. К 1998 большинство наиболее известных ди-джеев, таких как Paul Oakenfold, Pete Tong, Tony De Vit, Danny Rampling, Sasha, Judge Jules, проигрывали записи trance в лучших британских клубах.
В конце концов даже Америка обратила внимание на trance, чему способствовали такие талантливые ди-джеи, как Christopher Lawrence и Kimball Collins.

http://discostyle.ru/
Ваня вне форума Пол: Мужчина   Ответить с цитированием Вверх
Ответ

Метки
история, определение, музыка, музыкальный инструмент, жанр


Здесь присутствуют: 1 (пользователей: 0 , гостей: 1)
 
Опции темы

Ваши права в разделе
Вы не можете создавать новые темы
Вы не можете отвечать в темах
Вы не можете прикреплять вложения
Вы не можете редактировать свои сообщения

BB коды Вкл.
Смайлы Вкл.
[IMG] код Вкл.
HTML код Выкл.

Быстрый переход

Похожие темы
Тема Автор Раздел Ответов Последнее сообщение
Вечная борьба или пираты 4ever a2z Программная - Windows 411 05.04.2013 17:09
Кукрыниксы Ваня Rock & Metal 11 14.09.2010 00:14
Трекерная музыка Wolverine89 Меломан 0 03.05.2009 17:13
Многоканальная музыка RodNik Меломан 11 23.10.2008 02:44
Нож для Frau Muller gusgus Electronic 15 12.07.2008 20:57


Обратная связь
Текущее время: 11:52. Часовой пояс GMT +3.


Powered by vBulletin® Version 3.8.4
Copyright ©2000 - 2018, Jelsoft Enterprises Ltd. Перевод: zCarot